Utilisateur:Vatekor/Goya/8
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
44 × 94 cm |
| Localisation |
Prairie San Isidro (1788) est l'une des œuvres les plus parlé et une valeur de Francisco de Goya. Il s'agit d'un fond d'écran pour une série de dessins pour des tapisseries pour la chambre infantes de décor croquis de Palais du Pardo. Avec la mort de Carlos III projet était inachevée, et la boîte, qui a été mesurée vingt-cinq pieds de longueur, dans ce délicieux moment. La petite image est devenue la propriété de la ducs d'Osuna jusqu'en 1896, quand il a été acquis par le Musée du Prado.
Il montre une vue de Madrid de l' ermitage de San Isidro modèle de la ville, le jour du pèlerinage. Le sujet de l'œuvre, dans les mots de l'auteur à son ami d'enfance Martin Zapater est
Prairie de San Isidro, dans la journée du saint avec tout le buzz qui habituellement haver dans cette Cour. [Sic]
Comme d'habitude, la foule après la messe est placé sur les pentes douces de profiter d'un temps de loisir. Goya ne parviennent pas à montrer une vue de Madrid sur le Manzanares, l'une des rares raisons paysage de la main de l'artiste de boulangerie. Il peut être vu dans la distance de la grande coupole de San Francisco el Grande et la majeure partie de la nouvelle Palais Royal. D'abord, un groupe dynamique de figures conversant avec animation et derrière eux, et la banque dans le plan intermédiaire, vous voir l'excitation de la foule de plus en plus minuscule perdue à gauche sur la rive du fleuve.
Analyse
modifierCette esquisse pour un carton appartient à une chaîne pour la décoration Palais du Pardo, dont les thèmes devaient être les environnements de la campagne et de plaisir en plein air. Inclus dans cet ensemble L'ermitage de San Isidro, La merienda et Buff Blind Man, qui est le seul de l'huile sur toile finale a été achevée.
Ce tableau en très petites dimensions un grand sentiment d'espace comme une grande masse de gens, ce qui correspond à l'excitation de la fête figure. Ce caractère est accentué par la gamme de bleus et blancs, rose, vert, parsemé ici et là de touches rouges pour donner un peu de variété dans les robes de certains des plus petits chiffres. Ce tableau utilise un Goya amorce gamme froid, innover par rapport à sa première période d'apprentissage dans l'atelier de José Luzán (et conservera pendant longtemps) que la préparation a toujours été basée terre rouge, appelé «terre Séville », qui, avec l'effet de glacis transparents toast résultat de trop d'huile. Tout cela est l'œuvre de ses premières prendre très chauds, tons grillés. Voici le résultat est que l'or vénitien, perles, prédominent gris et rose. Cependant, la zone intermédiaire est résolu dans des tons sombres, qui se concentre regard en profondeur sur les personnages quittent l'avant-plan en tant que cadre.
Sont la profondeur de ce spectacle le plus remarquable, et pour ce, nous avons la perspective (peut-être le site que Goya a utilisé la capture d'image naturelle) de buttes douces entourant le sanctuaire de la sainte patronne. De là, on aperçoit la rive du fleuve est un aller et venir comme pèlerins probablement par le pont de bateaux du centre de l'image, qui a donné l'étape directement vers la zone de la chapelle. Sur le côté droit en bas de la rue montré Toledo qui mène à l'état solide pont du même nom, et à gauche, celle de Ségovie. Tous topographie est réaliste, comme jamais était dans la peinture de Goya, laissant défini le paysage de fond, inexacts ou incomplets et fonctionné de ne pas distraire et mettre en évidence la question centrale. Il s'agit d'un cas unique, car les ressources sont destinées à approfondir le paysage. Alors, un peu à droite du centre et de la rivière met en évidence deux majos danse et deux pilons, qui sont découpés en noir contrastant avec la rivière qui coule clair. Ils sont plus grands que certains des caractères qui se trouvent dans le même plan, qui transgresse Goya réalisme naturaliste d'appliquer les effets nécessaires pour embellir la nature art, comme dicté par la poétique du néoclassicisme. Il organise votre goût illumination, laissant ces quatre chiffres dans l'ombre, de sorte que le contraste de tons est plus grande.
En ce qui concerne la composition, l'unité de la boîte n'a pas clair. Semble opter pour la dispersion des points d'attention, et ce Goya lui-même ignore les règles impératives des unités neoaristotélicas. Une évasion possible de l'attention sur les marges de la zone est délimitée par la position des figures de premier plan (fig. ci de position sociale élevée et gestes et de relations très dynamiques), puisque les chiffres du mode enferment formant l'extrême parenthèses à la plus centrale. Ainsi, en haut à gauche de la voiture va vers la droite et donc ne autres sur le droit, définir votre line up direction des forces centripètes.
Comme une peinture de genre, montrant de nombreuses personnalités se sont réunis idée chère illustré par la royauté (cible à la dernière image) de mélange harmonieux de différentes classes et couches sociales. Il semble majos, ferientes, les fournisseurs et tous les types de marcheurs et de véhicules: de taxis et voitures de berlines, flotteurs et tartans, pour le déplacement des gens les plus humbles. Les costumes vont de vestes à la mode française des personnages au premier plan pour les laines grossières et les tissus des classes inférieures.
Les résultats soulèvent la zone intermédiaire, comme une bande de couleur plus foncée causerait de nombreux problèmes pour la réalisation de la peau, l'augmentation de la quantité de figures humaines. En fait, dans une lettre Goya parle à son ami Martin Zapater que leur travail est fait dans ce tableau "avec beaucoup d'effort et de frustration." Ces tableaux, résolus par la technique de la peinture de Goya avec impressionniste étaient difficiles à reproduire dans la Fabrique Royale de Tapisserie et la cause de peintre de nombreux problèmes avec votre travail. En fait, il est l'un des premiers tableaux de Goya peint sur l'utilisation de très grande forme libre, favorisé par les caractéristiques et la rapidité d'exécution avant la réalisation de l'avantage masses fragmentaires.
Contexte
modifierRéférences
modifier- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La pradera de San Isidro » (voir la liste des auteurs).
Sources
modifier- (es) Fiche sur InfoGoya.
- Ficha en el sitio web «Goya en el Prado» de dicho museo.
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
169 × 137 cm |
| Localisation |
village de procession est une toile Francisco de Goya, qui s'est tenue pour la cinquième El Capricho de l' ducs d'Osuna en 1787. Une partie de la série connue sous le nom commercial de tuiles des ducs d'Osuna. Goya a eu un contact étroit avec les ducs depuis 1785.
Analyse
modifierComme toute la série, est ancré dans le salon populaire duc de thème. Parmi les séries incluent des images comme Assaut dans la voiture, The Fall, The Swing et le mât de cocagne.
Voici Goya a un patron régulier des processions en l'Espagne du XVIIIe siècle. L'église et tout le fond est un coup disparu. De la porte du temple de la procession, dirigée par le prêtre, le maire et les échevins, portant une bannière. La figure de la Vierge Marie est porté par quelques fidèles.
Contexte
modifierRéférences
modifier- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Procesión de aldea » (voir la liste des auteurs).
Sources
modifier[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Óleo sobre tabla |
| Dimensions (H × L) |
46 × 73 cm |
| Localisation |
Procession des pénitents, ou Procession des Flagellants, est une huile sur toile peinte petit format Francisco de Goya entre 1812 et 1819 et représente un rituel de ferveur catholique que les hommes appelés pénitents fouettent le dos en signe de pénitence.
Un groupe de flagellants, encorozados blanc, torse nu, et le dos de la coagulation, apparaissent à la fin de la procession. Après ils prennent une grande échelle des images de l'église Virgen de la Soledad, l' Ecce Homo et le Christ sur la Croix. Ils sont accompagnés par d'autres en noir et encapirotados beatas genoux. Un coincé aussi sur la droite, toutes les grandes bannières attirail vêtus, des croix et des lanternes.
Analyse de l'image
modifierLa peinture fait partie d'une série qui comprend Corrida, Crazy House et Auto foi de l'Inquisition. Il s'agit d'un groupe qui représente certains des pires aspects de la réalité espagnole du début du XIXe siècle. Ils reflètent en douane des illustrations et idées libérales (qui à cette époque a été attribué Goya) cherché à réformer, mais ont été opposés par la politique absolutiste de Ferdinand VII.
L'une des caractéristiques déterminantes de cette série est la présence de la cruauté: l'effusion de sang dans un corps éclairé en blanc dans le centre et le premier, se démarque de tout autre aspect de ce tableau.
Tous les personnages au premier plan apparaissent individualisé, bien caractérisé dans l'exercice de leur rôle, tandis que dans l'arrière-plan est la foule anonyme des fidèles, faiblement éclairé par un ciel bleu sale en dépit de sa couleur. La procédure est en ligne avec d'autres tableaux de la série, comme on le voit dans Auto foi de l'Inquisition.
Quant à la composition, Goya utilise la ressource à établir des zones de lumière contrastée. D'un côté, des flagellants et empalé, et de l'autre, le reste de la trame, avec un grain de beauté architecturale de l'ombre sur la gauche qui pourrait symboliser le poids de la religion.
Cette série, en particulier cela et d'autres raisons similaires (comme conservé à Buenos Aires) ont eu un rôle important dans la création de la légende de l' Espagne Noire. Je ne voudrais pas aller au-delà d'une pratique habituelle du point de vue de la mentalité espagnole de l'époque, apparu aux yeux des Européens, intéressés à l'exotique et pittoresque de l'intérêt français développé après un contact qui a mené à la guerre de Indépendance. Peintures de ce genre, à une aura terrible et romantique a été décerné, inspireront beaucoup plus tard enregistrée.
Contexte
modifierRéférences
modifier- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Procesión de disciplinantes » (voir la liste des auteurs).
Sources
modifier- (es) Fiche sur www.artehistoria.jcyl.es.
- (es) Fiche sur InfoGoya.
[[Catégorie:Scène de genre]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
.jpg)
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
104 × 152 cm |
| Localisation |
Le Parasol (1777) est une peinture par Francisco de Goya conservée dans le Museo del Prado et fait partie de la série de dessins animés pour la Fabrique Royale de Tapisserie de Santa Barbara, en particulier, pour la série destiné à la décoration salle Infante Carlos, alors prince des Asturies.
La peinture a été exécutée selon toute probabilité entre le 3 Mars et le 12 Août 1777, à en juger par la datation de la livraison de l'ouvrage fini à la fabrication de tapis. À l'été 1777, l'artiste a fait une série qui était destiné à décorer la salle à manger du prince des Asturies. Ces cartons sont intitulées comme suit: Le Parasol, La promenade Andalucía (ou La Maja et sourd), buveur et La querelle de la nouvelle vente. Le document a Tasaba Goya Le Parasol cinq cents réaux. Goya a reçu pour l'ensemble de cette série de 18 000 cartons réel.
Vers le milieu du XIXe siècle l'huile a été transféré au palais royal d'El Pardo, qui a été stocké dans le sous-sol de l'engin de tissus d'ameublement. Par arrêté royal du 18 Janvier et Février 9 1870 entré dans la boîte dans le cadre des fonds de musée du Prado et présenté dans son catalogue pour la première fois en 1876.
Analyse
modifierComme d'habitude, Goya sélectionner une autre scène de genre dans l'atmosphère de village. Deux figures, une jeune fille habillée à la française, et un serviteur, "parades"-escortes femmes mariées ayant des incidences socio-robe à la «classe apparaissent majo », sans décrire l'auteur se demande si la scène est ou simple dame flirter avec serviteur
dépeint une jeune fille assise sur un banc, avec un chiot dans halda; côté d'un garçon debout avec un parasol ombre décision [...]
Francisco de Goya, compte de livraison des travaux de la Fabrique Royale de Tapisserie, le 12 Août 1777.
Ont été identifiés comme sources de la boîte de style musical français rococo, à savoir concert dans le parc de François Boucher concernant la fourniture, Pres de vous belle Iris Nicolas Lancret, conclusion de Moïse Charles de la Fosse Chasse et Sanglier : Allégorie de l'Europe Parrocel Joseph, dans lequel la raison du parasol apparaît.
Cependant, il est Vertumne et Pomone par Jean Ranc, un style de dialogue néoclassique, qui le plus souvent a été cité comme un antécédent de parasol. Nous devons aussi nous rappeler que Ranc était l'un des peintres qui ont travaillé pour la première Bourbon -espagnol à partir Felipe V - importer le goût néo-classique et des couleurs harmonieuses et élégant pour la peinture royale espagnole. Tout cela montre que la question de la cour entre les deux jeunes gens à travers le parapluie était monnaie courante dans la peinture galante du XVIIIe siècle.
L'originalité de Goya doit être recherchée dans la spontanéité, le réalisme et le naturel avec lequel Goya évoque l'histoire, l'expression de la proximité pour le spectateur qui obtient la taille des chiffres (les places rococo armoire sont petites et en pleine nature), l'universitaire, néoclassique, et surtout avec le regard direct de la jeune composition sourire au spectateur, qui rend possible complice de la cour.
En ce qui concerne la composition, les lignes de force établis presque un triangle équilatéral où la jeune fille tombe. Cette figure géométrique exprime une grande sérénité. Pendant ce temps, tous les regards convergent sur son visage, tempéré par un vert tendre filtrée crée la nuance de couleur du parapluie. L'ovale Young est une ellipse régulière et ses deux diagonales déterminé par la direction du regard de l'enfant et la ligne du mur sur la gauche, dont la perspective a forcé croix afin que cette diagonale est incidente sur la scène recherchée boîte.
La couleur dans cette image, comme tous les cartons de tapisseries, des couleurs vives et audacieuses contraste, comme dans le reste des cartes. Mais il est un coloré qui insiste fortement sur l'étude de lumière, comme dans Le Buveur (1777), avec qui elle a été jumelée, en plaçant le visage de la dame comme elle le dit dans le centre de convergence des lignes que de la structure la composition. Le visage de la jeune femme est au premier abord, mais en zone ombragée. Les forts contrastes de tonalité dans l'épaule du garçon et de la diffusion de la lumière nuancée dans l'ombre de son visage sont résolus avec une rare maîtrise.
Contexte
modifierRéférences
modifier- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El quitasol » (voir la liste des auteurs).
Sources
modifier- (es) Fiche sur InfoGoya.
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
262 × 137 cm |
| Localisation |
La preuve du tabac est le titre donné à une huile Francisco de Goya, réalisée entre 1779 et 1780. Elle a été réalisée dans le cadre de la quatrième série de cartons de tapisseries d'Aragon, qui étaient destinés à la chambre des Princes des Asturies dans le palais Pardo.
Traite d'un sujet bien connu à l'époque, la contrebande de tabac et que la garde de celui-ci. Conservés dans le Museo del Prado.[1]
Comme bûcherons, Goya a de grands problèmes dans sa mise en œuvre. Pourtant, à la fin tapissiers ajouté plusieurs détails que Goya avait pas de complot, mais apparemment d'accord avec eux.[2]
Analyse
modifierUn caractère fort et viril dans la Custodie de tabac de premier plan, comme l'expression indiquer Louer tabac ci-dessous.
Cette image a des racines profondes dans la littérature espagnole de l'âge d'or. épées symbolisme comme un bastion de la masculinité a été idéalisé par le marquis de Villamediana et Francisco de Quevedo, de l'édition à la fois sonnets célèbres à ce sujet.
Bien que l'artiste a identifié les caractères comme «gardiens» Tomlinson[3] souligne qu'ils ne pouvaient pas être des bandits et des fiduciaires. Eh bien, la symbolique sexuelle évidente de la pièce est terminée avec la corrida, dans la même série.
Souligne principalement la présence d'arbres, l'attitude arrogante de l'un des gardes, les personnages de la distance et de la rivière, dont le développement fait écho spectacles Velázquez.
Goya lui-même, dans ses notes à la Manufacture Royale, réalisé cette image en tant que "cinq gardes revenu Snuff deux assis et un debout au repos combersazion dons."
Contexte
modifierRéférences
modifier- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El resguardo de tabacos » (voir la liste des auteurs).
- Mena, p. 18.
- Glendinning, p. 37.
- Tomlinson, p. 143.
Sources
modifier[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
185 × 125 cm |
| Localisation |
Portrait de Ferdinand Guillemardet (1798) est une huile sur toile de Francisco de Goya conservés dans le Musée du Louvre. Le travail a été exposé en Juillet 1799 à l' Académie Royale des Beaux-Arts de San Fernando, l'ambassadeur l'a ramené à France. Son fils, ami de Delacroix, j'ai finalement fait don au musée du Louvre.
Analyse
modifierPrésente l'ambassadeur français en Espagne entre 1798 et 1800, était adjoint Convention et était connu pour publier un édit de transformer les bâtiments de l'Église à la réunion des centres civils. Dans Ferdinand Guillemardet (1765-1809), il se trouve avec le corps de profil de boîte et la face avant, face au spectateur, avec un regard intelligent et jambes croisées dans une pose détendue.
Le portrait parle d'un homme fort et d'un représentant de la nation voisine puissante. Bien qu'il semble naturel de poser, en fait est très visant à sortir des postures peu guindée que Goya représenté certains de ses portraits. Il était l'un de ses tableaux préférés, que l'artiste lui-même affirmation.
Les couleurs de la France (bleu, rouge et blanc) se distinguent par leurs couleurs vives sur la ceinture nouée à la taille et à la rosette et les plumes de son chapeau bicorne posé sur la table derrière lui, à la différence de l'or doux de table et une chaise. Le portrait incarne la force de la République française. et confiant. Ferdinand Guillemardet, interprété par Goya assurance complète, l'image de la jeune République représentait. En conclusion, le chromatisme utilisé avec une grande habileté, sur la base de nuances et de réflexions sur la touche noire bleutée dans l'image subtiles.
La raison qui a conduit à la réalisation de cette peinture est inconnue. Vous pouvez Guillemardet a été animée à être interprété par le peintre de la Chambre des ministres roi Mariano Luis de Urquijo ou Jovellanos, un ardent francophile.
Contexte
modifierRéférences
modifier- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Retrato de Ferdinand Guillemardet » (voir la liste des auteurs).
Sources
modifier[[Catégorie:Louvre]] [[Catégorie:Portrait]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Óleo sobre tabla |
| Dimensions (H × L) |
82 × 54 cm |
| Localisation |
Le portrait d'Isabelle Porcel est une tableau de Francisco de Goya peint vers 1805. Il s'agit d'un portrait d'Isabel Lobo Velasco de Porcel, née à Ronda vers 1780 et seconde épouse d'Antonio Porcel (un libéral qui a également peint en 1806 sur un tableau aujourd'hui perdu suite à un incendie) et de près de 25 années son aîné qu'elle rencontra à Madrid à l'âge de vingt ans. Porcel était un ami de Jovellanos, qui l'a mise en contact avec Goya, qui était proche du couple.
La peinture montre une jeune femme peinte à mi-corps et habillée en chemise blanche et mantille noire, à la mode espagnole. Malgré ses vêtements de maja, elle porte de riches tissus et a un prestance aristocratique. C'est un cas typique de reprise par la haute société espagnole costumes populaires de majos.
Le geste de ses bras est dénote une femme décidée et sûre. L'un d'eux plié sur sa hanche. Elle a les cheveux et les yeux brun clair, la peau très blanche et est positionné a mi-profil, le corps tourné vers la gauche, dans un mouvement que la tête compense par un déplacement vers la droite, dans un léger raccourci du visage. L'ensemble donne au portrait réalisme et profondeur sans qu'il soit nécessaire d'y ajouter un objet, un élément d'architecture ou un paysage. Au contraire des us de l'époque, le regard de la jeune fille part à la gauche de l'observateur.
Le contraste est puissant entre les voiles de dentelle mantille de noir et les nuances de chemise de soie qui transparaissent au travers de la mousseline de soie noire. Ils sont délicatement facilement harmonisés avec ton rose du visage. Les coups de pinceau sont lâches et les détails sont réalisés avec une grande économie de moyens.
Goya fut très satisfait de ce tableau qu'il montra à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando.
Références
modifier- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Retrato de Isabel Porcel » (voir la liste des auteurs).
Sources
modifier[[Catégorie:National Gallery]] [[Catégorie:Portrait]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
124.7 × 207.9 cm |
| Localisation |
Le portrait de la marquise de Santa Cruz (1805) est une huile sur toile de Francisco de Goya trouvés dans le Museo del Prado après avoir été acquis par cette institution en 1986.
Analyse
modifierL'image dépeint un Joaquina Téllez Girón-, marquise de Santa Cruz, qui a reçu le titre après leur mariage en 1801 avec José Gabriel de Silva et Walstein, Marqués de Santa Cruz et premier directeur du Museo del Prado. Elle était la fille de la neuvième duc d'Osuna et une femme instruite qui ont participé aux rassemblements illustrés à l'époque. Goya a su dès l'enfance et inclus dans un portrait de famille, Les ducs de Osuna et leurs enfants, également au musée du Prado.
On le voit ici allongé sur un canapé rouge et tenant un instrument de musique qui ressemble à une lyre mais comme le Prado est vraiment une guitare en imitant sa forme. La dame porte une robe blanche et va intacte avec une couronne de branches et de grappes de raisin. L'iconographie de la figure comme la nymphe Erato, muse de la lyrique amoureuse, faisant allusion à ses préoccupations poétiques. Le surprenant croix gammée peinte sur l'instrument n'est pas un plus tard, ce symbole de origine celtique ou antérieure a été inclus par Goya sûrement allusion mythologique.
La robe est typique de l'empire de la mode de l'époque de Napoléon, avec un décolleté plongeant et une taille haute, ceinturée sous la poitrine, ce qui améliore. Cette robe, des décennies plus tard, a été considéré comme trop gras et que la boîte a été appelé par la famille "la grand-mère dans sa chemise de nuit", mais il convient de souligner que la robe est un jour férié ou de l'utilisation officielle, pas une chemise de nuit couchage.
Ce tableau est un exemple de l'assimilation de Goya ou deuxième néoclassique de style Empire, apparu au début du XIXe siècle. Il dépasse l'artiste aragonais jette néoclassique hispanique et italienne par Anton Raphael Mengs représentés et Tiepolo pour sauter à droite dans les nouveaux modèles français qui ont émergé après la Révolution française, dans la ligne de la Paolina Borghese par Antonio Canova, par aux mêmes dates.
La technique de la peinture combine coups de pinceau pâteux dans la cuisse droite, ce qui alimente l'intensité de la lumière blanche et plus dilué avec qui est en forme de grenat, tissu mauve et de violet le canapé et les rideaux. Dans ces domaines, il s'agit d'un traitement de glaçage subtil qui se produit tout au long de l'image une idée de la texture de gaze, et la sensualité délicate liée et l'érotisme qui exprime la beauté de la jeune fille.
Exportation illégale et la récupération
modifierLa boîte a atteint résonance singulière dans les années 1980, la découverte qui avait été illégalement exportés d' Espagne. C'était la première vicissitudes qui il vivait.
Au cours de la dix-neuvième et au début du prochain appartenu à une collection aristocratique à Madrid et est apparu sur la première exposition rétrospective de Goya, qui s'est tenue au Prado en 1928. En 1940, de ne pas très bien documenté versions, a été choisi par le dictateur Francisco Franco à donner à Hitler dans la célèbre entrevue Hendaye. La raison de ce choix pourrait être la présence d'une croix gammée sur la guitare qui détient la marquise. Ce symbole, désormais tristement associé avec le nazisme, a fait à l'origine celtique ou plus tôt et Goya a dû le peindre comme une allusion mythologique. Cette croix gammée n'est pas, comme on pourrait le croire, un plus moderne.
Pour des raisons obscures, la peinture n'a finalement pas été remis à Hitler et dit qu'elle était au bureau de Hendaye. Il a ensuite déménagé à la collecte Valdés de Bilbao, une illustre collection privée. Au début de la décennie de 1980, la collection a été démantelé entre les différents héritiers, et la peinture de Goya a été vendu.
Il a dit que par 1983, la peinture a été prise de Majorque à l'étranger par voie maritime. Je suis allé à la Suisse et a été acquis par un noble anglais, Lord Wimborne, qui a décidé de mettre aux enchères dans Londres en 1986. En annonçant la vente, le gouvernement espagnol a déposé plainte, affirmant que le travail avait été illicitement exporté. Ont suivi les procédures légales, sans doute la peinture n'était pas allé à l'étranger pour être déclaré d'intérêt culturel.
Le conflit a pris fin avec la suspension de la vente aux enchères et la récupération de l'image, qui a été attaché à la Museo del Prado, mais a dû compenser avec Lord Wimborne prix estimé, 6 millions de dollars, soit près de 900 millions de pesetas de l'époque,[1] comme il est entendu qu'il n'était pas au courant de l'origine douteuse du travail en tant que courtier acheté. Pour couvrir ce chiffre, le gouvernement espagnol avait contribué à lever des fonds par diverses entreprises. Il faut dire que demandé baron Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza, mais la réponse a été négative parce que le baron a préféré acheter de la peinture pour sa propre collection (au lieu contribution qu'il a fait dans sa journée pour empêcher le départ de la Grande-Bretagne à partir de Les Trois Grâces de Canova, renvoyez simplement la pièce a ensuite été donnée pour être exposée temporairement dans le musée de Madrid). Toutefois, ce premier contact a été fructueuse sur le long terme, il a donné lieu à des négociations pour la fondation du Musée Thyssen-Bornemisza à Madrid.
Contexte
modifierRéférences
modifier- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Retrato de la Marquesa de Santa Cruz » (voir la liste des auteurs).
- « Les joies et étonnement "(PDF). ABC (11 Avril, 1986). Consulté le 7 Avril 2013.
Sources
modifier- Manuela B. Mena Marqués (1996), Retrato de la Marquesa de Santa Cruz.
- (es) Fiche sur le site du musée du Prado.
[[Catégorie:Portrait]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Óleo sobre tabla |
| Dimensions (H × L) |
180 × 267 cm |
| Localisation |
Portrait de Manuel Godoy est un tableau de Francisco de Goya réalisé en 1801 et aujourd'hui conservé à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando.
Il s'agit d'un grand portrait commandée par Godoy après sa victoire dans la Guerre des Oranges, qui en fit l'homme le plus puissant d'Espagne après que le roi Charles IV. Né à Badajoz en 1767, il eut une énorme influence sur la femme du roi, Marie-Louise de Parme. Il se maria avec la comtesse de Chinchon, cousine du roi. Après la guerre d'indépendance espagnole, il sombra dans une grande pauvreté et mourut en exil à Paris en 1851.
C'était la première fois que Goya peignait le en tant que ministre. En 1794, quand alors qu'il était duc d'Alcudia, il en avait réalisé un petit croquis équestre. En 1801, il est représenté au sommet de sa puissance, après sa victoire dans la guerre des Oranges contre le Portugal. Il est en campagne, peint comme généralissime de l'armée et « Prince de la paix », un des titres pompeux accordés pour son service dans la guerre contre la France.
Portrait de Manuel Godoy montre une caractérisation psychologique incisif. Figure arrogante comme une bataille militaire repose dans une position détendue, entourée de chevaux et un bâton phallique entre ses jambes. Il semble distiller beaucoup de sympathie pour le personnage et l'interprétation ajoute que Goya serait faveur cette fois du Prince des Asturies, régner plus tard, Fernando VII, puis face à la favorite du roi
Il est d'usage de considérer Goya dégrade consciemment représentants dépeignant conservatisme politique, mais les deux Glendinning[1] que le museau[2] qualifier ce point. Certainement leurs meilleurs clients ont été favorisés dans leurs boîtes, et ce fut la aragonais grande partie de son succès en tant que portraitiste. Toujours réussi à équiper sa dépeint un aspect vif et à la ressemblance était très estimé dans son jour. Et c'est dans le réel, où il a été contraint de sauver portraits raison décorum et la dignité pour représenter leurs protecteurs.
La peinture montre une haute Godoy sur le dessus du gouvernement espagnol, soutenu par les rois incontestés. Goya saisit l'arrogant valide avec la position assise, à regarder les drapeaux portugais qui ont été saisis de l'armée ennemie.
L'éclairage crépusculaire utilisant Goya donne l'intensité à la pièce, ce qui rend le contrôle absolu montre que le peintre a sur ses peintures. La scène de cour nous voyons est la propriété, à côté de la famille de Charles IV, de l'œuvre de Goya au début du XIXe siècle.
Mais le souci du détail utilisé dans de Goya Portrait de Manuel Godoy ne peut pas être comparée à celle de Vicente López Portaña de détail précieux. Cela provoque des taches de couleur sautent à la surface, créant un spectacle unique.
Contexte
modifierAnalyse
modifierRéférences
modifier- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Retrato de Manuel Godoy » (voir la liste des auteurs).
- Glendinning (1993), p. 44-48
- Museau (2005), vol. 1, p. 107 et 148-149.
Sources
modifier- (es) Fiche sur www.artehistoria.jcyl.es.
- (es) Fiche sur InfoGoya.
[[Catégorie:Portrait]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
92.9 × 67.6 cm |
| Localisation |
Sebastián Martínez Pérez et est une huile de Francisco de Goya, peintes en 1792. représenté par Sebastián Martínez y Pérez, un ami de Goya.
Contexte
modifierAnalyse
modifierRéférences
modifier- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Retrato de Sebastián Martínez y Pérez » (voir la liste des auteurs).
Sources
modifier[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
209 × 127 cm |
| Localisation |
Portrait du Marquis de San Adrián a été faite par Francisco de Goya en 1804. C'est dans le Museo de Navarra dans Pampelune, Navarre (Espagne). Il s'agit d'un portrait de la septième marquis de San Adrián, José María de Magallon et Armendariz.
Il est l'un des portraits artiste le plus accompli, dont la composition est inspirée par les portraits britanniques, le travail d'une grande finesse et d'élégance, l'harmonie des couleurs et naturel.[1]
L'attitude de José Maria Magallon et Armendáriz dénote élégance et l'indolence, robe équitation costume avec un pantalon en velours côtelé et brandissant un fouet et un livre.[2]
Contexte
modifierAnalyse
modifierRéférences
modifier- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Retrato del Marqués de San Adrián » (voir la liste des auteurs).
- Anglés Arias, Enrique (1980). grands maîtres de la peinture classique. Goya. Estella: Débat rédaction. (ISBN 84-226-6095-4).
- Floristán Imizcoz, Alfredo (1993). "La crise au Royaume-Uni.». Illustrated History of Navarra. Pampelune:. Diario de Navarra (ISBN 84-604-7413-5).
Sources
modifier- Retrato del Marqués de San Adrián. Museo de Navarra.
- Retrato del Marqués de San Adrián. Exposición de 2008 en el Museo del Prado.
[[Catégorie:Portrait]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
56 × 193 cm |
| Localisation |
Combat de chats ou des chats est un carton de tapisserie de Francisco de Goya. Il a été repêché dans la cinquième série de cartons de tapisseries aragonaises, destinées à décorer la salle à manger du prince des Asturies dans le palais Pardo.
Nous sommes allés au musée du Prado à 1870, mais a été maintenu dans le sous-sol de la galerie jusqu'à 1986, quand il est allé grossir la collection permanente.
Analyse
modifierDeux chats se battent sur le dessus d'un mur de briques. Le format horizontal de l'œuvre peut être identifiée comme linteau. Goya analyse la nature de l'animal, les traduisant de façon réaliste. L'artiste a répété ce thème dans son Caprices et avant il l'avait déjà fait dans le portable italien.
Parmi les savants, il ya eu une grande controverse sur la paternité de la boîte, comme sans rapport avec la série de dessins animés que Goya peint pour le Pardo. Sont ni clairement les caractéristiques typiques de la peinture de Goya, peut-être en raison de la longue le temps passé dans une humidité carton palier du sous-sol.
Cependant, ce n'est que pour son rôle animaux est un geste fort. Les positions des chats pour déterminer une magnifique étude de l'environnement naturel. Le point de vue traditionnel est en tête, comme dans le buveur.
Contexte
modifierRéférences
modifier- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Riña de gatos » (voir la liste des auteurs).
Sources
modifier[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
41.9 × 67.3 cm |
| Localisation |
La bagarre à la Meson del Gallo est une photo de Francisco de Goya conservée dans le Museo del Prado, en raison de sa récente acquisition d'une collection privée.
Analyse de l'image
modifierC'était la coutume des artistes qui font des croquis préparatoires pour les futurs tableaux. Ces croquis, borroncillos Goya les a appelés et a dit [...] que certaines dépenses sont également.... Dans l'inventaire (connu comme l'inventaire de Brugada) qui a été faite en 1828, après la mort de l'artiste, dans son cinquième Sourds, détaillant jusqu'à 16 petits croquis avec le thème des tapisseries. L'un de ces croquis est en droit Brawl au Meson del Gallo, qui deviendra plus tard Goya carton pour Fabrique Royale de Tapisserie, titulándole Riña dans nueba vente (Goya écrit avec b, la règle par l'utilisation de v n'a pas été encore établie). À propos de borroncillos Goya ont suffisamment d'informations par correspondance est conservée dans maintenue entre le peintre et son ami d'école Martin Zapater. Il semble que les croquis ont été très réussie, le travail indépendant et très bien vendu comme "box-office". Certains leur ont donné et d'autres vendus.
La bagarre croquis au Meson del Gallo a été acquis à l'époque par Charles Yriarte, qui était l'auteur de la première monographie sur Goya et reproduit dans son livre avec une bonne gravure. Puis il avait d'autres destinations jusqu'à Novembre de 2002, cette boîte armoire appartenait à une collection privée, à ce moment-là il est passé dans la collection du Museo del Prado, qui a été suspendu dans la galerie de Goya, avec le frère carton intitulé Brawl dans Nouvelle information. Plus tôt cette image avait visité le musée quand il a été exposé à 1993 à l'exposition «Goya: Caprice et de l'invention." Il a été restauré pour l'occasion.
Le thème est une lutte qui se déroule dans une vente de Madrid, juste à l'extérieur de la ville. Il est censé être situé dans le nord parce que le fond de l'image semble deviner la Sierra de Guadarrama. Au centre de la scène principale de la lutte, a décrit avec beaucoup de mensonges de naturalité et réalisme. Le Goya lui-même a déclaré que les personnes à la table des gens de différentes provinces et sont donc représenté avec le bon costume pour la région. Les coups de poing qui est Murcia. A droite on peut le voir le tableau où les moments antérieurs seraient jouent aux cartes et collecter de l'argent à l'aubergiste. Derrière cette scène, il est un homme à cheval, qui est le flic qui vient au bout du fusil. Les couleurs sont très vives et coups de pinceau rapides, dans le style de l'auteur.
Contexte
modifierRéférences
modifier- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Riña en el Mesón del Gallo » (voir la liste des auteurs).
Sources
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