Utilisateur:Vatekor/Goya/4
es:Dos viejos
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| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Óleo sobre muro, trasladado a lienzo |
| Dimensions (H × L) |
144 × 66 cm |
| Localisation |
Deux vieilles, deux frères et un beau Un vieux et est l'une des peintures noires qui faisaient partie de la décoration des murs de la maison, appelé Quinta del Sordo - que Francisco de Goya a acquis en 1819. Le travail occupe une place à côté de l'entrée au rez de chaussée de la maison, sur la droite en entrant, face au mur où était Saturne dévorant son fils.[1]
Le travail, avec le reste des peintures noires, a été déplacé de plâtre à la toile, de 1873, par Salvador Martinez Cubells, commandée par le baron Emile d'Erlanger,[2] un banquier français, qu'il avait l'intention de vendre à l' Exposition universelle de Paris en 1878. Cependant, le travail n'a pas attiré les acheteurs et il a fait don en 1881, le Museo del Prado, où il a exposé.
Analyse modifier
Tableau deux anciens personnages habillés en habit de moine apparaissent. Le premier est situé dans une grande barbe blanche, est grand et s'appuyant sur une canne. D'un point de vue iconographique concerne le dieu du temps et pourrait symboliser la vieillesse. Celui qui est derrière lui est fortement caricaturés. Son visage est l'apparence cadavérique ou animale et semble crier entendu son compagnon, ce qui pourrait être une allusion à la surdité de Goya.
Il existe une différence notable dans le traitement des deux figures. Le vieil homme à la barbe est calme et digne. Son expression est triste, mais sereine. Elle s'appuie sur le personnel, mais pas de la faiblesse, il maintient la force et l'équilibre. Ses vêtements et comprendre rappelle ermites ou des philosophes Velázquez, Esope et Menipo, qui étaient soumis à la copie par les Aragonais. L'autre personnage contraste avec le visage monstrueux, est représenté avec les caractéristiques que Goya utilisé pour frères satiriques de son Caprices et Nonsense.
Comme avec toutes les peintures noires, la gamme de couleurs est réduite à l'ocre, terre, gris et noir. L'image est un exposant des fonctionnalités que le XXe siècle a vu en tant que précurseurs de l'expressionnisme peinture.
Contexte modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Dos viejos » (voir la liste des auteurs).
- vues virtuelles de l'emplacement d'origine. [1], [2]
- Cf. Bozal (2005), vol. 2, p. 247:
Salvador Martinez Cubells (1842 - 1914), le restaurateur du Prado et académique de l'Académie royale des Beaux-Arts de San Fernando, transférés à la peinture sur toile personnalisée à l'époque, 1873, était le propriétaire de la cinquième, Baron Frédéric Emile d'Erlanger (1832-1911). Martinez Cubells ne ce travail assisté par son frères Henry et François (...)
Bozal, Francisco Goya, la vie et le travail, (2 vol.) Madrid, Tf. Publishers, 2005, vol. 2, p. 247, (ISBN 84-96209-39-3).
Sources modifier
- (es) Fiche sur InfoGoya.
- Situación de los frescos en la Quinta del Sordo (reconstrucción virtual)
- Esteban Ierardo, «Goya: la razón y la noche», Temakel. URL <http://www.temakel.com/galeriagoya.htm.> [Consulta el 23 de junio de 2007.]
- (es) Fiche sur www.artehistoria.jcyl.es.
[[Catégorie:Scène de genre]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Dos viejos comiendo sopa
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| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Óleo sobre muro, trasladado a lienzo |
| Dimensions (H × L) |
49.3 × 83.4 cm |
| Localisation |
Deux vieux soupe de l'alimentation est l'une des peintures noires qui faisaient partie de la décoration des murs de la maison, appelé Quinta del Sordo - que Francisco de Goya a acquis en 1819. Ce travail probablement occupé (par le format que vous avez) dessus-espace du rez-de-chaussée de la maison.[1]
La peinture, avec le reste des peintures noires, a été transféré de plâtre à la toile, de 1874, par Salvador Martinez Cubells, commandée par le baron Emile d'Erlanger,[2] un banquier français, d'origine allemande, il avait l'intention de les vendre dans le Exposition universelle de Paris en 1878. Cependant, le travail n'a pas attiré les acheteurs et il a fait don en 1881, le Museo del Prado, où il a exposé.
Tableau deux caractères anciens apparaissent sait pas si ce sont des hommes ou des femmes. La gauche, avec un foulard blanc, dessiner un visage avec sa bouche, peut-être en raison du manque de dents. L'autre personnage contraste fortement avec lui face à corps, vos yeux sont deux creux noir et la tête a généralement l'apparence d'un crâne.
Les coups de pinceau sont appliquées très librement, et rapidement décidé. Ils sont remplis avec beaucoup d'argent strokes peindre ce qui définit doigts arthritiques ou une cuillère. Il existe également une technique largement utilisée pour l'application d'un pigment avec une spatule.
Comme avec toutes les peintures noires, la gamme de couleurs est réduite à l'ocre, terre, gris et noir. L'image est un exposant des fonctionnalités que le XXe siècle a vu en tant que précurseurs de l'expressionnisme peinture.
Contexte modifier
Analyse modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Dos viejos comiendo sopa » (voir la liste des auteurs).
- vues virtuelles de l'emplacement d'origine. [3], [4]
- Cf. Bozal (2005), vol. 2, p. 247:
Salvador Martinez Cubells (1842 - 1914), le restaurateur du Prado et académique de l'Académie royale des Beaux-Arts de San Fernando, transférés à la peinture sur toile personnalisée à l'époque, 1873, était le propriétaire de la cinquième, Baron Frédéric Emile d'Erlanger (1832-1911). Martinez Cubells ne ce travail assisté par son frères Henry et François (...)
Bozal, Francisco Goya, la vie et le travail, (2 vol.) Madrid, Tf. Publishers, 2005, vol. 2, p. 247, (ISBN 84-96209-39-3).
Sources modifier
- (es) Fiche sur InfoGoya.
- Situación de los frescos en la Quinta del Sordo (reconstrucción virtual)
- Esteban Ierardo, «Goya: la razón y la noche», Temakel. URL <http://www.temakel.com/galeriagoya.htm.> [Consulta el 23 de junio de 2007]
- (es) Fiche sur www.artehistoria.jcyl.es.
[[Catégorie:Scène de genre]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Los duques de Osuna y sus hijos
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| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
225 × 174 cm |
| Localisation |
Les ducs d'Osuna et leurs enfants est un tableau peint par Francisco de Goya en 1788, conservé au Musée du Prado à Madrid (Espagne).
Image Description modifier
La toile contient une scène familière dans laquelle Don Pedro Téllez Girón, IX duc d'Osuna, ami et mécène de Goya, à côté de sa femme Josefa Alonso Pimentel et ses quatre enfants au peintre dépeint avec beaucoup de tendresse et d'affection, fruits l'étroite relation qu'il a eu avec la famille.
Le duc est debout tout en portant l'uniforme et les poses assises duchesse habillé à la mode française. L'aîné des Ducs, Josefa Manuela, la main de son père, occupe l'extrémité droite de la boîte et à l'avenir seront dépeints par Goya quand il détient le titre de marquise de Abrantes. La même chose se produira à sa sœur Joaquina montré debout à côté de sa mère et de poser pour Goya marquise de Santa Cruz. Pour le pied gauche et l'héritier du titre, Francisco de Borja, monté sur un bâton comme un cheval et salon, Pedro apparaît le plus jeune fils du duc
Contexte modifier
Analyse modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Los duques de Osuna y sus hijos » (voir la liste des auteurs).
Sources modifier
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:El entierro de la sardina
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.jpg)
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Óleo sobre tabla |
| Dimensions (H × L) |
82.5 × 62 cm |
| Localisation |
L'enterrement de la sardine est une petite boîte de format peint par Francisco de Goya entre 1812 et 1819 et se rapporte à une série de peintures de l'espagnol armoire de douane, même si ceux-ci sont loin d'être les thèmes et l'esthétique rococo et néoclassique de les cartons de tapisserie. L'ensemble comprend Corrida dans un village, procession de pénitents, Auto foi de l'Inquisition et maison de fous, tous datés entre 1815 et 1819. Tous sont des huiles à bord même taille (45 à 46 cm x 62 à 73, à l'exception de l'enterrement de la sardine, 82,5 x 62) et conservé au musée de l' Académie royale des Beaux-Arts de San Fernando.
La série vient de la collection acquise à une date inconnue par le maire de la ville de Madrid à l'époque du gouvernement de Joseph Bonaparte, le marchand d'idées libérales Manuel Garcia de la Prada, dont le portrait qu'il peint Aragon entre 1805 et 1810, et légua Académie des Beaux-Arts de sa volonté de 1836.
Ces travaux sont en grande partie responsable de forger romantique légende noire qui a été attribuée à la peinture de Goya, comme ont imité et diffusé en France et par des artistes tels que Eugenio Lucas ou Lameyer Francisco.
L'enterrement de la sardine reflète une tradition de carnaval pour célébrer le dernier jour des vacances. C'est la fin de la période de l'envers du monde représentant le carnaval, sa transgression des valeurs existantes, l'intérêt instincts primaires, le rôle du peuple contre les institutions et la prévalence du chaos par rapport à l'ordre.
Analyse de l'image modifier
Bien, il s'inscrit dans un ensemble de tables de douane de la vie espagnole, image, à l'origine, j'ai eu une très subversive à la religion catholique. Dans un premier temps, la bannière qui occupe le centre de l'image est apparu le mot «Mortus" sur une forme non définie, qui pourrait être la sardine. Cela fait écho le mot apparaissant dans les phrases typiques des bannières des processions est le Vendredi saint (comme Mortus intérêt Christus hodie) tout en fonctionnant comme parodie (comme toute la tradition de l'enterrement de la sardine), reportez-vous à la mort de carême, symbolisé par le poisson.
Cependant, toute cette série d'allusions disparaître en partie remplacé par le mot de masque souriant grotesque, qui concerne les attitudes des personnages qui dansent avec des masques. Pourtant, l'homme danse robe droite, l'habitude de apparemment frère, dont certains de parodie ou de satire de la mise en place de bureau reste. En outre, les deux femmes centrales dansaient dans le dessin, des religieuses, dans l'image finale cette identification a disparu. Ils ne sont que des jeunes femmes ayant une fonction de fantaisie de masque de maquillage fait. Dans tous les cas de parodie religieuse a passé sans la présence de plus de danse, fête, de rire et de divertissement populaire comme protagoniste absolu de l'image. D'autres personnages, comme sur la gauche contrôle plus ou moins déguisée ou XVIIe siècle soldat armé d'une pique vers l'une des femmes, indirectement transmis à l'instinct sexuel déclenché lors de cet événement. Ils sont tellement grotesque présent dans la configuration de deux institutions clés de la satire par l'imagination populaire: l'armée, la force, la morale, l'église.
Faut aussi se rappeler que, bien que le carnaval a été autorisé pendant la domination française, de retour à l'absolutisme fernandino (qui est la date la plus probable de l'achèvement des travaux) a interdit ces expansions par les outrages et raille les institutions qui ont soutenu ont été faites, bien que ces répressions n'ont pas beaucoup d'effet. Quoi qu'il en soit, Goya, si effectivement peint l'image entre 1815 et 1819, comme le museau (2005) fait valoir, serait prendre un acte de l'esprit critique et transgressive certainement, lui montrer son rejet de la politique réactionnaire de Ferdinand VII.
En ce qui concerne la composition est très proche de la série avec laquelle il forme un tout, en particulier Corrida dans un village, car il est un ovale lumineux, autour de laquelle (comme dans un anneau) de position publiques spectateur, mais dans ce cas une partie de la partie et est également déguisés avec des masques. Bien que, par rapport à celle de l'enterrement de la sardine lumière sur l'ombre et la joie à l'emporte le drame, la même qui le distingue de la maison de fous, la procession des pénitents et Auto foi de l'Inquisition, les travaux tous qui montrent une gamme de couleurs limitée et dont les affaires ne permettent pas la fête de l'expansion.
Cette œuvre exprime la joie de vivre des gens, et contraste avec les récentes scènes macabres de désastres de la guerre ou de la tragédie imminente série tauromachie et à l'écart des voitures, les échantillons de sang disciplines flagellants ou l'absurde et le monde de la maison de fous marginalisés, avec des images qui ont été montrées à être liés dans le temps et les questions. Il est à noter au-delà des circonstances politiques et sociales «vitalité populaire», dit le museau. Voici les classes inférieures sont libres, sans entraves et exprimé aucune restriction sont obligés de, et même dans des conditions de guerre imposées par des circonstances indépendantes de la volonté du peuple. Tel est le message complémentaire de la plainte qui a lancé la série de gravures de Les Désastres de la guerre, où tout l'accent était mis sur les personnes qui luttent pour leurs vies, leurs maisons et où les victimes ont été dépouillées de l'héroïsme et représentation d'une cause. Est-ce l'enterrement de plaisir, même le dernier jour, ou que de la sardine, pour un temps, déchaîne ses désirs vitaux, sans aucune considération morale et montrant simplement partie a aboli les lois, les institutions et obligations de l'autorité.
Contexte modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El entierro de la sardina » (voir la liste des auteurs).
Sources modifier
- (es) Fiche sur InfoGoya.
- Francisco de Goya en all art, incluye un extenso estudio e imágenes en detalle de El entierro de la sardina (en inglés)
[[Catégorie:Scène de genre]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:El prendimiento de Cristo (Goya)
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.jpg)
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
40 × 23 cm |
| Localisation |
Intitulé La prise du Christ est appelé à un travail entrepris par Francisco de Goya entre 1797 et 1798 pour la cathédrale de Tolède. Le dessin préparatoire de l'œuvre est dans le Museo del Prado.
La grande toile est dans la sacristie de la cathédrale de Tolède. Composition ciblée est un hommage à la spoliation de la gréco -situé sur le même site, et l'illumination Rembrandt.[1]
Analyse modifier
Le thème de la boîte est de l'arrestation de Jésus de Nazareth par les soldats romains, conduits par Judas Iscariote. Peu de temps après, vous serez redirigé vers la séance du Sanhédrin, présidé par Caïphe, pour le condamner.
Il est l'un des rares exemples de la peinture religieuse de Goya, que les Aragonais qu'il considérait la religion comme l'un des grands maux de son temps. Les exemples sont des gravures de Los Caprichos, Les Désastres de la guerre et les peintures noires.[2]
Christ est né sans défense, secoué par les soldats et la foule rassemblée autour du Nazaréen. L'agitation et la violence mettant en vedette l'esquisse et le tableau final. Ici, l'artiste révèle une technique plus libre, basé sur des coups de pinceau longs et spontanées de mieux s'exprimer.
En tout cas, ce travail nous permet d'affirmer que Goya quitte peu à peu de l'approche néoclassique qui instruit, venant à pas de géant pour le romantisme. La maîtrise technique de la peinture et de la fraîcheur dans le sommaire pas perdu dans la toile finale, les résultats complets peuvent être encore vu.
Pas une esquisse très fini, que l'enseignant fait en tapisserie. L'éclairage et le ton contraste les personnages principaux sont faites avec une grande liberté. Ne disparaîtront pas cette caractéristique de l'image finale, comme le dit Glendinning.[3]
Articles inachevés L'Arrestation du Christ sont autour des figures centrales, bien que certaines d'entre elles est justifiée car elle permettrait une plus grande utilisation de l'obscurité et des profils. Le caractère sombre de la pièce, selon les conventions esthétiques de Épouvantable Sublime est grandement appréciée.[4]
Contexte modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El prendimiento de Cristo (Goya) » (voir la liste des auteurs).
- Bozal, Francisco Goya, la vie et le travail, Madrid, Tf, 2005, 2 vol. (Age 5-6), vol. 1. (ISBN 978-84-96209-39-8).
- ArteHistoria.com, "La prise du Christ». [Consulté le 13.04.2009].
- Glendinning, p. 92.
- Glendinning, p. 93.
Sources modifier
[[Catégorie:Représentation de Jésus-Christ dans la peinture]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La era
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| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
276 × 641 cm |
| Localisation |
L'âge ou d'été est le plus grand de la tapisserie peinte par Francisco de Goya à la Fabrique Royale de Tapisserie de Santa Barbara. Une partie de sa cinquième série, consacré au genre et à destination de la part des sujets manger Princes des Asturies dans le palais Pardo.
Analyse de l'image modifier
Mesuré 276 par 641 centimètres. Francisco de Goya utilise des couleurs chaudes comme le brun, jaune ou orange. Un groupe de moissonneurs repos la chaleur de la séance sur le blé fraîchement récolté. Bien que certaines personnes sur le droit de poursuivre les travaux sur les hommes ivres gauche essayer un paysan, connu comme le fou du peuple, sous leurs vêtements et les attitudes.
Dans le cadre de son programme décoratif des quatre saisons, Goya ne recourt pas ici à la représentation traditionnelle de l'été - Ceres couronné d'oreilles-mais montre une scène populaire et folklorique. L'essence de l'artiste se reflète de façon magistrale la sieste des travailleurs.
Goya utilise ici la composition hérité pyramide Mengs, réalisant ainsi un grand succès. Le soir de l'été a été magistralement réalisé, relevant la lumière sur les teintes jaunes de blé. Mais les gestes des personnages qui font ce travail en un véritable «recommandations après le talent d'Aragon en tant que portraitiste, à saisir magnifiquement les gestes des personnages. La taille minimale des chevaux, cependant, diminue de la représentation de Goya de l'environnement.
Une esquisse pour ce tableau, intitulé battage et sont conservées dans le musée Lázaro Galdiano .
Contexte modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La era » (voir la liste des auteurs).
Sources modifier
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La ermita de San Isidro
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| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Localisation |
L'ermitage de San Isidro est une peinture de Francisco de Goya peint pour la série des cartons de tapisseries. Aujourd'hui conservé dans le Museo del Prado, Madrid. Représente la Ermita de San Isidro et la célébration de la San Isidro Labrador festivals.
Analyse modifier
Représente l'un des festivals les plus populaires de Madrid, honorant le patron de la ville, San Isidro. La silhouette de la chapelle a une touche baroque, mais la composition elle-même est de style néoclassique.
Contexte modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La ermita de San Isidro » (voir la liste des auteurs).
Sources modifier
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La familia del infante don Luis de Borbón
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| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
248 × 330 cm |
| Localisation |
La famille de l'infant Don Luis de Borbón est un tableau peint par Francisco de Goya en 1784, qui est conservé dans la Fondation Magnani-Rocca de Mamiano di Traversetolo, province de Parme (Italie).
Image Description modifier
La toile contient une scène familière de Don Luis, l'oncle du roi d'Espagne Charles IV dans son exil de Arenas de San Pedro qui a été condamnée par son renoncement à la carrière ecclésiastique et le mariage morganatique plus tard à Marie-Thérèse de Vallabriga.
Dans le centre de la table Infante Don Luis jouer au solitaire avec des cartes en peignant sa femme apparaît. Après ses fils semblent Luis et Maria Teresa.
Le côté gauche de l'image est occupé par le peintre lui-même immortaliser la scène et plusieurs dames tandis que dans la zone de droite plusieurs hommes et une nourrice apparaissent María Luisa, la plus jeune fille de l'enfant dans les bras.
Contexte modifier
Analyse modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La familia del infante don Luis de Borbón » (voir la liste des auteurs).
Sources modifier
- (es) Fiche sur www.artehistoria.jcyl.es.
- (es) Fiche sur InfoGoya.
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La feria de Madrid
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| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
258 × 218 cm |
| Localisation |
Foire Madrid est un carton de tapisserie conçue par Francisco de Goya pour antedormitorio des Princes des Asturies dans le Palacio del Pardo. Est actuellement détenu dans la galerie du Museo del Prado.
Comme avec tous les tapisseries, les effets ont été vus de loin.[1] Dans le cas de la Foire de Madrid, les tisserands ont dû quitter le carton d'origine. Voici un groupe de trois personnages bien habillés et personnages secondaires ombragée stands. La partie occidentale de la toile est faite avec une lumière faible et touches presque imperceptibles. Il fallait inventer plus de détails à améliorer la luminosité.
Analyse modifier
Plusieurs personnes ont observé des navires, des meubles et d'autres biens d'un vendeur, tandis que d'autres postes sont observés, même des photos. En arrière-plan on voit l'église de San Francisco el Grande.
Goya présente coutumes de la société de Madrid, comme l'homme qui observe avec monocles objets, petimetra pointant avec une gamme de produits et qui négocie les prix avec le concessionnaire. Qu'est-ce que les offres des fournisseurs a passé de mode et les gens se débarrasser d'eux pour décorer leurs maisons à utiliser le français. L'Aragonais démontre sa perspective de contrôle et le sexe, y compris une vie encore dans le jeu de chocolat visible au premier plan.
La scène est sur la piste de Madrid. Goya utilise encore castizos thèmes pour décorer les palais royaux, qui aiment ces questions, comme toute l'aristocratie de la fin du XVIIIe siècle. Il ya une hypothèse qui vise à placer la boîte dans le carré de l'orge, par référence à l'église de San Francisco el Grande représentent aussi Goya Danse de San Antonio de la Florida. Parmi les marchandises comme un portrait de la facture Diego Velázquez. Surtout les deux majos reçoivent une forte lumière et mouvements rapides, Goya se concentrant leur attention sur les faits dans un magnifique ton gris argent brillant.
Contexte modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La feria de Madrid » (voir la liste des auteurs).
- Glendinning, p. 37.
Sources modifier
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Las floreras
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La fleur et le printemps est une image peinte par Francisco de Goya y Lucientes. Il appartient à la série visant à Eater Prince des Asturies, le palais El Pardo à Madrid avec chutes de neige, Vintage and The Age.
Il a été peint entre 1786 et 1787. Il s'agit d'une huile sur toile 277 x 192 cm dimensions. C'est dans le Museo del Prado à Madrid.
Le tableau montre une scène de pays dans lequel un genoux sous un FLORERA rosier offrant une fleur à une femme. Derrière eux, un homme montre un lapin et demande le silence. Une fille avec un bouquet de fleurs tire main de la femme. En bas à gauche, immergé dans un paysage montagneux, est une église.
Contexte modifier
Analyse modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Las floreras » (voir la liste des auteurs).
Sources modifier
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La gallina ciega (Goya)
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| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
269 × 350 cm |
| Localisation |
Buff Blind Man (1789) est l'un des conseils qui ont servi de modèle pour la fabrique de la Fabrique Royale de Tapisserie de Santa Barbara de Francisco de Goya et était destiné à la décoration de la chambre des princesses du Palais du Pardo, a été menée peu de temps après son accession au trône de roi d'Espagne Charles IV. C'est la quatrième série de dessins animés que Goya fait entre 1788 et 1792, consacrés à loisirs et de divertissement des pique-niques. Ce carton une esquisse précédente conservée dans le Museo del Prado.
La photo montre les garçons et les filles à jouer au passe-temps populaires "larves" bandés avec un personnage au milieu d'essayer de tenter d'autres danser en cercle, avec une grande cuillère.
Les jeunes gens sont habillés des gens sympas et pilons, l'humble habit de couches de la société espagnole que les aristocrates (comme cette photo) ont aimé la robe. D'autres, vestes de velours et coiffes à plumes, suivent à la place les diktats de la mode pour les classes supérieures sont venus de France.
La composition est déterminée caractères alternance entre les vides laissés par ceux qui sont au premier et dernier mandat, et contrastant le jeune accroupi vers la droite pour éviter le seau avec lequel il essaie de toucher et incliné vers l'arrière avec une autre jeune femme avant le fait.
L'image est un style galant décanté ou exposant de rococo, et leurs caractéristiques de style: la vivacité, l'immédiateté, la curiosité, le chromatisme de roses tendres, textures gaze jupes pour les femmes, un fond paysage lumineux et reflètent une Beau moment de plaisir pas sans chances de flirter vie.
Contexte modifier
Analyse modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La gallina ciega (Goya) » (voir la liste des auteurs).
Sources modifier
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La gallina ciega (boceto) modifier
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Localisation |
Le dessin préparatoire pour le tableau Le ver a été conçu par Francisco de Goya, que la carte qui en résulte. Destiné aux collections royales de palais Pardo, une partie de la cinquième série de cartons de tapisseries.
Il a atteint son emplacement actuel, le musée du Prado en 1931 de la collection de Pedro Fernández Durán et Bernaldo de Quirós.
Analyse de l'esquisse modifier
Majos et pilons Dix jouent à l'arrachage des vignes sur les rives du Manzanares. Il était le seul carton sa tapisserie correspondant destiné à la chambre Princesses a été peint dans le palais Pardo. Le jeu a été également connu comme "seau", en plus d'être un passe-temps récurrent de la noblesse et des thèmes favoris de rococo.
Mise en service en 1788, l'année de sa mort Carlos III, la série a été laissé inachevé après la mort du roi, le 14 Décembre de cette année.
Un grave problème de chronologie a été présenté «Le ver '. Il a été incapable de parvenir à un accord entre les positions divergentes discuté de la date de la transaction. Taille critique du museau et Glendinning affirme qui a eu lieu en 1789, mais Tomlinson rejette cette théorie et a proposé qu'il a été achevé avant 1788, pour la série à laquelle il appartenait était inachevé à sa mort Carlos III-14 Décembre, 1788 - et en Avril 1789 Goya a reçu la nomination convoité comme peintre de cour, de sorte que son activité dans le domaine de cartons diminuer de manière drastique. Œuvres indicatives petits de Goya dans le musée du Prado, écrites par Manuela Mena, les plis dans un enregistrement milieu comme Buff Blind Man menée entre 1788-1789.[1]
Goya a donné la pièce à son patron, le duc d'Osuna. Plus d'un siècle plus tard, en 1896, a été vendu à un collectionneur Pedro Fernández Durán.
Contexte modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La gallina ciega (boceto) » (voir la liste des auteurs).
- Mena, p. 23.
Sources modifier
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Gato acosado
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| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
42 × 15.5 cm |
| Localisation |
Harcelé chat est un carton de tapisserie de la cinquième série de Francisco de Goya, conçu pour la chambre à coucher des enfants dans le palais Pardo.
Analyse modifier
Deux belles personnes qui tentent de faire tomber un arbre à chat, tandis que les passants observent attentivement la scène. Un chien avec des hommes. Le tableau est organisé par ordre croissant pauses diagonales du régime triangulaire qui avait caractérisé les premières compositions de Goya. Le coup de pinceau rapide et l'effet de tache sont des signes clairs qu'il s'agit d'un croquis. Le rétro-éclairage au premier plan rappelle quelques-uns des meilleurs dessins animés de Goya, comme le pare-soleil.
C'est la série de compagnon Le pique-nique, La Prairie San Isidro et La grub, dont seulement devenu le premier tapisserie. Dans toutes ces compositions est le thème du pèlerinage, commun à de nombreux tableaux de Goya, même en dehors de la tapisserie.
Contexte modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Gato acosado » (voir la liste des auteurs).
Sources modifier
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Las gigantillas modifier
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
137 × 104 cm |
| Localisation |
Le gigantillas est une toile Francisco de Goya, conçu pour le bureau du roi Carlos IV d'Espagne à El Escorial. Il a été l'un des premiers tableaux à l'huile de sa dernière série de cartons de tapisseries.
Analyse modifier
Cinq enfants jouent rampant sur l'autre dans le jeu populaire et bien connue "la gigantillas. Visible dans la distance est un paysage avec des collines et des arbres.
Selon le site officiel du Museo del Prado appartient à la série de la chambre Princesses dans le Palacio del Pardo, bien que la plupart des critiques est enclin à dater dans le cadre de la septième série, visant à El Escorial.
Il peut être une allégorie de la situation politique instable de l'Espagne à l'époque, en particulier le changement de ministres, sous réserve de ce qui Goya ans plus tard, tourner de haut en bas.
Il s'agit d'une composition pour sobreventana, de sorte que la forme de triangle point de vue faible et le contour est répété, évoquant Citer ou bûcherons. Goya montre à nouveau sa capacité à représenter l'enfant dans toute sa gloire, comme il l'a fait dans l'enfance gonfler une vessie. Les coups légers et lourds Goya prévu dans le impressionnisme.
Dans l'aspect de la composition, comme il est un linteau l'artiste reprend le point de vue faible et le régime triangulaire travaille tôt - La citation ou Bûcherons - montrant une fois de plus sa capacité à représenter parfaitement le monde de l'enfant. L'effet atmosphérique rappelle les œuvres de Velázquez, l'application Fuendetodos un rapide et complet de pinceau dynamique des teintes vives. La lumière sera un autre sujet d'Aragon, le plaçant comme un précurseur de l'impressionnisme.
Contexte modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Las gigantillas » (voir la liste des auteurs).
Sources modifier
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Goya atendido por el doctor Arrieta
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| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
117 × 79 cm |
| Localisation |
Goya assisté par le Dr Arrieta est une photo de Francisco de Goya peint en 1820 reflétant la grave maladie, peut-être le typhus - qui souffrait de Novembre 1819 à laquelle il a été traité par le médecin Eugenio Garcia Arrieta.
Goya auto-portrait apparaît malades et des mourants, soutenue par derrière par le Dr Arrieta lui donner à boire un médicament. Dans un fond sombre une femme face à la critique a identifié avec la représentation de la partie inférieure gauche de la Parque.
Dans une cartouche dans la partie inférieure de la table contient une rubrique, vraisemblablement autographe, qui se lit:
Goya reconnaissant à son ami Arrieta: pour la compétence et le soin avec qe lui a sauvé la vie de son / maladie aiguë et mortelle, a subi vers la fin de 1819, à soixante-trois de son âge. Il a été peint en 1820.
Analyse modifier
Une grande partie de la critique interprété comme un ex-voto à son médecin, le Dr Eugenio Garcia Arrieta, en reconnaissance de la guérison d'une maladie grave subi par Goya 73 années, avec le peintre vu cette image, si nous acceptons que enregistrement est manuscrite, qui lui avait sauvé la vie.
L'image pourrait être considéré comme un Piedad poser: dans le lieu habituel de Jésus serait un Goya mourir, et le travail de médecin comme ange gardien. Dans le fond certaines femmes ont été interprétés, comme il est bien avec la compagnie des femmes vivant Goya (qui vivait avec Leocadia Weiss), avec les divinités du destin ou les Parques, à partir de laquelle pend comme un fil, la vie façonner.
Les factions sont traités avec une grande habileté. Goya dépeint avec sa bouche légèrement ouverte, le regard perdu dans l'attitude presque moribond, sans force et conscience totale. Avec les mains fébriles s'accrochant à des vêtements qui couvrent. L'utilisation habile de la couleur et de l'éclairage met en place un contraste entre les carnaciones respectifs de Goya et son médecin. La première apparaît dans un pâle, faible, tandis que le médecin a un visage sain. robe de l'artiste a aussi une couleur blanc brillant, comme la feuille, en soulignant le drame de la scène et de l'utilisation de la lumière de l'enseignement de Rembrandt.
Le contact de tissus blancs est décidé, mais précis. En ce qui concerne la composition, les chiffres sont proches de l'observateur, qui semble assister à la scène dans la chambre ce qui se passe, qui sont encadrées dans un plan moyen. Sur les femmes de fond sombre ou destins, des visages étranges qui reflètent le monde inquiétant des ombres qui se cachait dans cette transe aragonais garni. Beaucoup de ses caractéristiques sont impliqués dans le monde de Black Paintings que Goya a peint sur les murs de sa maison (la Quinta del Sordo) pour ces années.
Le tableau reflète un thème caractéristique du XIXe siècle et de la bourgeoisie, de l'admiration pour la science. Pas dans ce cas une intervention chrétien ou un miracle de la religion, mais une performance pleine de sagesse et de la médecine incarnée par le Dr Arrieta, dépeint avec humanité mais non sans force dans son bureau. Ce tableau loin des conventions picturales de la peinture religieuse et académique de la dix-huitième siècle, et les satires médicales habituelles Ancien Régime (sous réserve Goya lui-même traité abondamment dans ses gravures), inaugurant un art moderne.
Contexte modifier
Références modifier
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Goya atendido por el doctor Arrieta » (voir la liste des auteurs).
Sources modifier
- Ficha de la obra en el catálogo de la Universidad de Zaragoza en línea
- Goya atendido por Arrieta en fisterra.com
- Goya atendido por Arrieta en viaartis.org
[[Catégorie:Autoportrait]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]